Stilübergreifendes Lesen von Musiknotation

Einführung

Die herkömmliche westliche Notation ist für die Musik der Vergangenheit nach wie vor sehr nützlich. Ihre Eignung für moderne Musik wurde in den letzten 120 Jahren in Frage gestellt, als sich die kompositorischen Ideen von der 12-tönigen temperierten Skala entfernten und die elektronische Klangsynthese das Potenzial bot, unsere klanglichen Vorstellungen zu erweitern. Das Erlernen der in der westlichen Welt gebräuchlichen Notation ist zeitaufwändig, manche Menschen fangen schon in jungen Jahren damit an und verfeinern ihre Fähigkeiten über Jahrzehnte. Außerdem ist das Erlernen mit Kosten verbunden und daher nur beschränkt möglich. Nach jahrelangem Studium geht das Lesen von Noten in die Physiologie des Spielens eines Instruments über – eine kinästhetische Verbindung zwischen Bewegung, Hören und Sehen. Es kann das Verständnis für ein Instrument prägen, für das, was möglich ist, und für das, was am besten oder zumindest am gebräuchlichsten und nützlichsten in Bezug auf die Technik ist. Meiner eigenen Erfahrung nach ist es schwierig, diesen verkörperten Effekt wieder zu verlernen – was nicht überrascht.

Eine dieser "Wirkungen" ist die Verbindung zwischen der Funktionsweise eines Musikinstruments und der Tonalität, dem von der Notation unterstützten Organisationssystem. Es erleichtert die harmonischen Strukturen, die Melodie, Akkorde und deren Fortschreiten bestimmen; in meinem Fall wurden sie in mein physisches Wesen als Flötenspieler*in buchstäblich eingebettet. Dies hat meine Improvisationen in ganz besonderer Weise geprägt, und obwohl ich versuche, mich von diesen Organisationsstrukturen zu lösen, um wirklich frei improvisieren zu können, bin ich mir nicht sicher, ob das jemals gelingen wird.

Notation und der Wert der Musikalität für alle

Trotzdem glaube ich, dass das gemeinsame Lesen von Musik ein wertvoller Teil der Erfahrung vieler Musiker*innen und ein Ausdruck von Musikalität jenseits der individuellen musikalischen Persönlichkeit ist. Die Musiknotation bietet einen erkennbaren, entzifferbaren Code, der es erlaubt, mit komplexen musikalischen Ideen zu navigieren und sie mit anderen Musiker*innen zu teilen. Sie bietet eine Möglichkeit, einzelne Teile im kompositorischen Gesamtentwurf zu verstehen. Es gewährt die gemeinschaftliche Belohnung für die Teilnahme an einer vorherbestimmten Klangentwicklung. Natürlich bewegen sich die Interpreten alle etwas anders in diesem Musik-"Code", der von der Technik und der Farbe unserer Instrumente, unseren bevorzugten Aufnahmen oder Aufführungen bekannter Werke, unseren Lehrern, Fähigkeiten, Gefühlen, Idealen und dem Kontext geprägt ist. Der Code selbst ändert sich, da verschiedene Kulturen ihre eigenen Musiksysteme haben, die oft den Fokus auf verschiedene Elemente der Musikaufführung und -erfindung lenken. Was sie jedoch alle gemeinsam haben, ist die Musikalität, die von einer Vielzahl von Elementen geprägt ist, deren Kern jedoch das gemeinsame Musizieren ist. In dem Maße, in dem sich die elektronischen Werkzeuge für das Musikmachen weiterentwickeln, entwickelt sich auch unsere Musikalität. Dazu gehört auch eine sich entwickelnde digitale Musikalität (Hugill, 2018), die viele Möglichkeiten mit sich bringt, die meiner Meinung nach noch erforscht werden müssen.

Was wäre, wenn wir zusätzlich zur traditionellen Art der Notation Notationssysteme einführen würden, die sofort erlernt werden können, ohne jahrelanges Studium? Notationen, die den Fokus weg von der Melodie und dem Puls, die in den gängigen Notationen so stark vertreten sind, und hin zu reichhaltigeren Darstellungen von Dynamik, Ensemblekommunikation, Textur und Struktur verlagern könnten und so neue Klangwelten ermöglichen, die sich von der jahrhundertelangen Claviozentrik lösen (Diduck, 2012, S.34). Bei erfahrenen Musiker*innen würde diese Notation auf bereits vorhandene musikalische Fähigkeiten zurückgreifen und ein gewisses Maß an Können und Beherrschung des Instruments voraussetzen. Diese Musikalität kann aus jedem Musikstil stammen – Kunstmusik, Jazz, Pop, Folk, freie Improvisation, elektronische Musik – und durch Aufführung und Erfahrung erworben werden. Musikalität entfaltet sich über verschiedene Stile und Genres hinweg und definiert die Schlüsselelemente der musikalischen Erfahrung – worauf man hören muss, die Nuancen von Stimmungen, das gemeinsame Spielen im oder außerhalb des Taktes. Wichtig ist, dass es auch denjenigen ermöglicht wird, die vom Lesen traditioneller Noten ausgeschlossen sind, z. B. Menschen mit anderen Seh- oder Hörfähigkeiten oder körperlichen Einschränkungen. Elektronik-, Folk-, Improvisations- und Popmusiker*innen könnten gemeinsam Ensembles bilden, unabhängig von der Vielzahl der verschiedenen Instrumente und Stile. Digitale Werkzeuge ermöglichen es uns, audiovisuelle Elemente in Partituren einzubinden, z. B. eine breite Palette von Farben, Bewegungen, Klängen und Computern, die externe Geräte wie Roboter steuern können. Dies geschieht bereits – ein Beispiel dafür ist Jess+, ein Roboterarm, der als intelligentes digitales Partitur-System für die gemeinsame Kreativität in Ensembles mit behinderten Musiker*innen dient. Jess+ und ähnliche Systeme setzen intelligente Computersysteme als Mitgestalter ein und bieten unterschiedliche Grade an gefühlter Kooperation, Präsenz und Autonomie (Vear, DigiScore).

Grafische Notation

Die grafische Notation wurde von Komponist*innen und Musiker*innen im Laufe der Musikgeschichte immer wieder eingesetzt, oft als Zwischenstation zwischen Komposition und Improvisation, die Raum für Beiträge der Interpreten schafft und einen nützlichen Ausgangspunkt für die Möglichkeiten der zukünftigen Notation bietet. In ähnlicher Weise können wir auf Charts und Tabulaturen aufbauen, die häufiger von Folk-, Pop- und Jazzmusiker*innen verwendet werden. Diese signalisieren oft die harmonischen Grundlagen von Werken und überlassen den Interpreten den Rest – sie können aber auch Möglichkeiten bieten, andere Informationen zu signalisieren. Darüber hinaus wurden viele neue Notationssysteme entwickelt und vorgeschlagen (Systeme wie Bilinear Notation, Global Notation und Dodeka kommen mir in den Sinn – siehe das Chromatone Centre), doch die Tatsache, dass sie nicht übernommen wurden, weist auf ihre Grenzen und Ziele hin, sei es die "Einheitsgröße für alle", sei es eine retrospektive Position zur Musik, die an Tonalität und akustische Instrumente gebunden ist. Ich finde es gleichermaßen interessant und frustrierend, dass Notationen nach wie vor sehr stilspezifisch sind und von den Erwartungen und historischen Präfixen des jeweiligen Genres bestimmt werden. Dies gilt trotz der bedeutenden Entwicklung und der Auswirkungen anderer Technologien, wie der Digital Audio Workstation, die für den universellen Einsatz entwickelt und übernommen wurden – obwohl die Hegemonie und die Zugänglichkeit für Menschen mit Behinderungen weiterhin eine Herausforderung darstellen (siehe Terren, n.d.) und diese Entwicklungen sich auf Einzelpersonen und nicht auf die Zusammenarbeit konzentrieren.

Als Komponistin und Interpretin habe ich versucht, Musiknotationen zu erstellen, die von Musiker*innen aller Instrumente und Stilrichtungen gelesen werden können. Diese Reise begann mit dem Wunsch, elektronische Musik auf eine Weise zu notieren, die es elektronischen Musiker*innen ermöglichen würde, an Kammermusikaufführungen teilzunehmen. Ich habe auch historische Kammermusik mit elektronischen Parts für mein Ensemble Decibel kuratiert. Dies führte dazu, dass ich neue Werke für Kammermusik mit Elektronik in Auftrag gab, und ich begann, eine breite Palette von Ansätzen für die Notation elektronischer Instrumente und Klänge zu sehen, zusätzlich zu den bestehenden historischen Bemühungen. Es gibt eine Fülle von Ansätzen, die auf die sich entwickelnden Technologien und musikalischen Ideen zugeschnitten sind – aber was sie alle gemeinsam haben, ist der Wunsch, elektronische und akustische Musiker*innen zu organisieren und zu koordinieren. Was darüber hinausgeht, hängt stark von den Absichten des Komponist*innen ab, ob die Partitur die Aktivität elektronischer Klänge beschreiben oder vorschreiben will und wie interaktiv diese Klänge sein können. Von den frühen Pionieren der Notation elektronischer Musik können wir viel über die Rolle des Komponierens für Elektronik lernen: Percy Graingers "Free Music"-Werke für Theremingruppen aus den 1930er Jahren verwenden eine Notation, die den Interpreten anweist und gleichzeitig den Klang beschreibt. John Cage notierte 1952 in "Williams Mix" die Montage von Tonbändern, und Daphne Oram zeichnete in den 1950er Jahren Formen zur Steuerung elektronischer Klänge mit ihrem Oramics-System. Es gibt noch viele andere Beispiele, aber hier geht es darum, dass die Parameter für die Notation von niemandem außer ihren Schöpfern und denjenigen, die sie aufführen sollen, festgelegt werden müssen.

Wie ich die Notation für mich zum Laufen gebracht habe

Ich war schon immer daran interessiert, lange Klänge zu komponieren, und wollte die Musik, die ich für akustische Instrumente schrieb, von jeglichem Pulsgefühl befreien. Ich hatte das schon eine Weile mit elektronischer Musik gemacht, ohne Notation. Ich hatte mir angesehen, wie Komponist*innen mit der traditionellen Notation zu kämpfen hatten, wenn sie dies versuchten – wiederholte Halbtonschritte, die über Taktstriche miteinander verbunden waren, schnell wechselnde Taktarten und schwer zu erfassende unterteilte Punktgruppen auf einer Seite. Ich begann, Linien als Notation zu zeichnen, und schließlich fanden wir gemeinsam mit meinen Mitarbeitern bei Decibel einen Weg, diese Linien so zu koordinieren, dass sie vom Ensemble gelesen werden konnten (Ingold, S. 22, 2016). Dies führte zur Entwicklung des Decibel ScorePlayers, einer Tablet-Anwendung, die unter anderem Bilder in einer bestimmten Geschwindigkeit über einen Abspielkopf, der den Punkt der Aufführung markiert, in Bewegung setzt. Dieses System eröffnete mir eine Blüte der Kreativität – ich hatte einen Weg gefunden, die Ideen und Zeichnungen, die ich in meinem Kopf entwickelt hatte, zu notieren, und so habe ich eine sehr persönliche Erfahrung mit der Befreiung, die alternative Notationen bieten können.

Bei der Entwicklung meiner ersten Oper Speechless (2019) wollte ich Sängerinnen und Sänger aus verschiedenen Musikstilen und im Orchester der niederfrequenten Instrumente Interpreten mit unterschiedlichem Hintergrund einbeziehen. Ich erkannte schnell, dass mein Notationsansatz dies erleichterte – indem ich den Instrumentengruppen eine Farbe zuwies und Dauer, Tonhöhe, Textur und Form in der Partitur beschrieb, erledigte sich alles andere von selbst. Ich bin bereit, diese Elemente der Gestaltung an die Interpreten weiterzugeben. Ich fügte auch Improvisationsabschnitte hinzu, um verschiedenen Musiker*innen die Möglichkeit zu geben, ihren Stil – oder was auch immer sie zeigen wollten – zu präsentieren, wofür der Decibel ScorePlayer einen Zeitrahmen vorgab. Die größte Herausforderung bestand darin, die Musiker*innendaran zu erinnern, dass es in dem von manchen als "martialisch" bezeichneten Partiturlesesystem (Rosenfeld, 2021) immer noch Flexibilität gibt – genau wie bei anderen Notationen sollte man mit anderen Musiker*innen kommunizieren, sich synchronisieren und gestikulieren. Bildschirme scheinen Aufmerksamkeit zu verlangen (Klatt et al.), aber Musik ist ein gutes Mittel, um diese Tendenz zu unterlaufen.

Zugang

Diese Projekte haben mich dazu gebracht, darüber nachzudenken, wie digitale Partituren den Zugang zum Notenlesen auf eine Art und Weise erleichtern können, wie es bei herkömmlichen Notationen nicht der Fall ist. Dynamische Farben, Bewegung und niederfrequente Impulse, die in die Partitur eingebettet sind oder von ihr ausgelöst werden, bieten Methoden, um das Lesen der Partitur für Menschen mit unterschiedlichen Seh- und Hörfähigkeiten zu ermöglichen. Die größte Herausforderung besteht jedoch derzeit darin, Musiker*innenanderer Stilrichtungen in den Prozess des Notenlesens einzubeziehen. In meinem jüngsten Werk VOLUMINUM (2023) wurden Rockmusiker*innen mit klassischen Musiker*innen kombiniert, wir alle lasen die Partitur gemeinsam auf vernetzten iPads, und das Publikum konnte über eine große Videoleinwand hinter uns daran teilhaben. Bei telematischen Aufführungen meiner Arbeit mit Ländern außerhalb des Westens habe ich festgestellt, dass sich die Musiker*innenschnell an meine dynamischen, grafischen Notationen gewöhnt haben. Das zeigt mir, dass man die musikalische Familie rund um das Lesen von Partituren erweitern kann, wenn wir bereit sind, mehr Freiheit in Bezug auf Elemente zuzulassen, die bisher in tonaler, pulsorientierter Musik so festgelegt waren. Dies spricht für neue, kollaborative Ansätze in Komposition und Aufführung, wie ich sie im New Virtuosity Manifesto mit Louise Devenish beschrieben habe.

Nicht jede Musik braucht eine Notation

Es gibt immer noch einen Platz für Melodie und Harmonie, und wir haben die Werkzeuge, um sie zu notieren. Aber was ist mit den Klängen, die noch nicht erfunden wurden? Neue Wege des gemeinsamen Musizierens? Ich bin mir zwar bewusst, dass nicht alle Musik bemerkenswert ist, sein kann, sein sollte oder sein wird, aber ein Großteil der Musik, die heute gemacht wird, ist es. Wenn ich mit der französischen Komponistin Eliane Radigue neue Werke entwickle (ich war an drei beteiligt), ist sofort klar, dass ihre Ideen am besten persönlich durch Diskussion und Aufführung weitergegeben werden, und diese Werke werden durch zwischenmenschliche Übertragung weiterleben. In ähnlicher Weise kann meine Bass-Noise-Performance-Praxis nicht notiert werden, und da es sich um eine grundsätzlich improvisierte Praxis handelt, wäre es auch nicht sinnvoll, dies zu tun. Aber ein Großteil der zeitgenössischen Musik verlässt sich auf Aufnahmen als Mittel zur Reproduktion von Werken in der Zukunft, obwohl diese nur ein Grundgerüst an Informationen liefern, um diese Musik gemeinsam zu erschaffen.

Es gibt echte Möglichkeiten und Potenziale in alternativen Musiknotationen, die es Musiker*innen verschiedener Stile und Hintergründe ermöglichen, zusammen zu spielen. Durch die Entwicklung von Musiknotation, die mehr Beiträge der Interpreten, den Ausdruck zeitgenössischer Musikalität und die Ideen der Komponist*innen fördert, könnte es einen Platz für das Notenlesen in der Zukunft geben. Das Notenlesen kann in der heutigen Musikpraxis weiterhin eine wertvolle Rolle spielen, wir müssen nur die richtigen Ansätze finden, um es zu erleichtern.